Spüre die Seele?

Angesichts der COVID-19-Situation, die neue Richtlinien für Museumsbesuche erforderlich gemacht hat, hat das Museum ein virtuelles Ausstellungsformat entwickelt. Dieses erfordert keine physische Anwesenheit im Museum, sondern kann rund um die Uhr bequem vom Bildschirm zu Hause im Wohnzimmer oder über ein mobiles Gerät im Kreise von Familie und Freunden erlebt werden. Das Projekt wird unterstützt von Augustine Funds.

Die erste virtuelle Ausstellung wurde vom Schweizer Künstler und Kurator Stefan Banz kuratiert. Sie präsentiert eine poetische Erzählung über figurative und naturverbundene Malerei, inszeniert durch gewagte, epochenübergreifende Gegenüberstellungen von Werken. Im virtuellen Modell des Willumsens Museums können Sie durch die Ausstellungsräume wandern und einzelne Werke vergrößern.

Die Ausstellung basiert auf einer selten beachteten Strömung in der Malerei und dem kürzlich wiederentdeckten amerikanischen Maler Louis Michel Eilshemius (1864-1941).

Einführung

Diese von Künstlern kuratierte virtuelle Ausstellung ist eine poetische Erzählung figurativer und naturverbundener Malerei, inszeniert durch gewagte, epochenübergreifende Gegenüberstellungen von Werken. Mit einem stark visuell orientierten Konzept, entwickelt vom Schweizer Künstler und Kurator Stefan Banz, stellt die Ausstellung „Feel the Soul?“ selbst ein digitales Kunstwerk dar.

Die Ausstellung nimmt eine selten beachtete Strömung der Malerei und den erst kürzlich wiederentdeckten amerikanischen Maler Louis Michel Eilshemius (1864–1941) als Ausgangspunkt. Mit einer figurativen, romantischen und naturverbundenen Malerei, die sich selbst in einer Zeit, in der die moderne Kunst Abstraktion und geometrische Formen dominierte, deutlich abhob, widersetzte sich Eilshemius allen Erwartungen an die Kunst der 1910er Jahre und der folgenden Jahrzehnte.

Eilshemius ist ein wahrer „Künstlerkünstler“, dessen Werke von bedeutenden Persönlichkeiten der Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts, darunter Marcel Duchamp, Louise Bourgeois, Jeff Koons, Ed Ruscha und Ugo Rondinone, entdeckt und gesammelt wurden, der aber seit den 1940er Jahren von der etablierten Kunstwelt als Außenseiter abgelehnt wurde. Von Künstlern gefeiert, gehasst, geliebt und von seriösen Kritikern verachtet – ähnlich wie J. F. Willumsen in weiten Teilen.

Indem diese Ausstellung Eilshemius mit Willumsen und einer Vielzahl anderer Künstler in Dialog treten lässt, verweist sie auf einen besonderen Nerv in der figurativen Malerei, der sich durch die letzten rund 100 Jahre zieht und auch heute noch in der zeitgenössischen Kunst stark präsent ist. Allen Künstlern der Ausstellung ist gemeinsam, dass sie die einfache Trennung zwischen figurativer und abstrakter oder konzeptueller Kunst aufheben. Die Werke sind zugleich romantisch, unmittelbar, gefühlvoll, ironisch und konzeptuell. Sie spielen mit der Tradition der Malerei und greifen gleichzeitig auf Populärkultur und Kitsch zurück. Es ist Malerei, die unmittelbar visuell ansprechend ist, sich aber auch dem guten Geschmack widersetzt und ihn „irritiert“.

Die Ausstellung ist Teil der forschungsbasierten und strategischen Initiative des Willumsens Museums, die figurative Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts kritisch zu hinterfragen. Damit reiht sich Willumsen in die Riege anderer unkonventioneller, eigenwilliger und kontroverser Künstler aus Vergangenheit und Gegenwart ein. Anstatt Willumsen selbst in den Mittelpunkt zu stellen, folgt diese Ausstellung seinem Geist und setzt sich in einem innovativen, internationalen Kontext mit seinen Werken auseinander. Durch die Inszenierung eines Künstlerkurators besetzen Willumsens Kollegen und Erben ein virtuelles Modell des Museums und reflektieren über den Künstler.

Diese Ausstellung war ursprünglich für das Willumsens Museum mit physischen Kunstwerken in den Ausstellungsräumen geplant. Aufgrund der COVID-19-Pandemie, die wirtschaftliche Unsicherheit und neue Richtlinien für Museumsbesuche mit sich brachte, hat das Museum die Ausstellung in ein virtuelles Format umgewandelt. Wir freuen uns, dieses experimentelle Format als Ergänzung zu unseren Präsenzausstellungen zu testen.

Im Anschluss an diese Ausstellung wird eine weitere, von Künstlern kuratierte virtuelle Ausstellung stattfinden, die im Frühjahr eröffnet wird.   

Beide Ausstellungen werden von der Augustinus-Stiftung unterstützt und sind ab dem Eröffnungsdatum ein Jahr lang zu sehen.

Präsentation

Bevor ich das Werk von Louis Michel Eilshemius richtig kennenlernte, beschäftigten mich bereits zwei Fragen: Warum war Marcel Duchamp so an seinem Werk interessiert, dass er zusammen mit Katherine S. Dreier bereit war, Eilshemius' erste Einzelausstellungen in der legendären Société Anonyme in New York in den Jahren 1920 und 1924 zu organisieren? Und wurde er vielleicht sogar von seinem Werk beeinflusst? 

Ab etwa 1909 entwickelte Eilshemius eine höchst ungewöhnliche künstlerische Strategie, die im Wesentlichen zwei Elemente umfasste: Erstens versuchte er, innerhalb eines bestimmten Zeitraums so viele Gemälde wie möglich zu schaffen, ohne sie anschließend zu verändern. Zweitens begann er gleichzeitig, seine Bilder in reich verzierten, bemalten Rahmen auszustellen. Diese Rahmen sind nicht nur ungewöhnliche Erfindungen, sondern besitzen auch eine außergewöhnliche malerische Qualität, die seine Werke einzigartig macht.   

Seine Malerei ist leicht, poetisch, inspiriert, subtil, romantisch, spontan, zeitlos und respektvoll gegenüber den dargestellten Motiven. Sie ist heute wie damals: engagiert, wunderbar und aktuell, und entstand inmitten einer aufkommenden Avantgarde, die sie ignorierte. Eilshemius' Bilder machen die Sehnsucht nach Authentizität, nach der Verwandlung des Gewöhnlichen und dem Zauber der Integrität sichtbar. Dies war zweifellos das, was Duchamp intuitiv erfasste, als er von Eilshemius' großformatigem Gemälde so gefesselt war. Bitte (Gebet), bei der ersten Jahresausstellung der Society of Independent Artists im Grand Central Palace in New York im Jahr 1917.  

In meiner umfangreichen Publikation Eilshemius: Ein Gleichgestellter unter den Dichter-Malern (JRP|Ringier, Zürich, 2015) zeige ich, wie sich Duchamps Begeisterung für diesen Außenseiter auch in seinen eigenen Werken ausdrückt. So erinnert beispielsweise die Erfindung von „Rrose Sélavy“ – seinem weiblichen Alter Ego – unmittelbar an die Passage in Eilshemius’ Roman. Das Tagebuch des Teufels (1901), in dem er beschreibt, wie sich der Teufel (womit er sich selbst, den Künstler, meint) durch Selbsthypnose in eine Frau verwandelt, um die Welt aus weiblicher Perspektive zu sehen. Die Nymphen, die durch eine Art Guckloch erscheinen in Drei Akte (Drei Akte, ca. 1909–13, Privatsammlung) nimmt Duchamp vorweg. Nach der Art von Delvaux (Unter dem Pseudonym Delvaux, 1942), während Duchamps Der Grüne Strahl (Der grüne Strahl, 1947) weist eine frappierende Ähnlichkeit mit Eilshemius' auf Boot durch Öffnung (Boot durch Öffnung, ca. 1909–13, Sammlung Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC). Als Duchamp den Künstler 1920 in seinem Haus und Atelier besuchte, um seine erste Einzelausstellung in der Société Anonyme zu besprechen, sah er überall Gemälde liegen und schweben, bedeckt mit einer mehrere Zentimeter dicken Staubschicht. Eilshemius hatte dem Reinigungsassistenten ausdrücklich verboten, den Schmutz von den Bildern zu entfernen. Kurz darauf beschloss Duchamp, sein unvollendetes Werk … Das Großes Glas (Das große Glas, 1915-23), das auf dem Boden seines Ateliers lag und Staub ansetzte, und das Man Ray sechs Monate später tatsächlich fotografierte. Staubbrut (Staubkultivierung, 1920). Mit seinen unzähligen Darstellungen von Nymphen an Wasserfällen übte Eilshemius den direktesten Einfluss auf Duchamps letztes großes Werk, das Diorama, aus. Gegeben: 1. Der Wasserfall, 2. Das Leuchtgas … (1946–66, Philadelphia Museum of Art)          

Ohne Duchamps Fürsprecher wäre Valentine Dudensing, einer der erfolgreichsten Kunsthändler New Yorks, nie auf Eilshemius' Werk aufmerksam geworden, und auch der angesehenste Kunstkritiker der Stadt, Henry McBride, wäre nicht zu einem seiner treuesten Unterstützer geworden. Ebenso wenig hätte ein so bedeutender amerikanischer Sammler wie Duncan Phillips begonnen, Werke des Malers zu erwerben. Dies wiederum ermutigte das Metropolitan Museum of Art, das Whitney Museum und das MoMA, ebenfalls Gemälde von ihm anzukaufen. Eilshemius erlangte über Nacht Bekanntheit und erlebte eine beispiellose Nachfrage. 1939 fanden gleichzeitig drei große Einzelausstellungen in New York statt – in der Valentine Gallery, den Kleemann Galleries und den Boyer Galleries. Nach heutigen Maßstäben wäre dies vergleichbar damit, als würden Iwan Wirth, David Zwirner und Larry Gagosian gleichzeitig Einzelausstellungen seiner Werke präsentieren.         

Seine naive Nicht-Naivität, seine konkrete Abstraktion, seine vorausschauende Weitsicht, seine geniale Unvollkommenheit, seine gedankenlose Nachdenklichkeit, seine unbeabsichtigte Erfindungsgabe, sein zufälliger Konzeptualismus, sein wissendes Unwissen, seine Verträumtheit und Zartheit oder die Spontaneität und das Tempo seiner Werke sind vielleicht genau einige der wichtigsten Gründe, warum Eilshemius bis heute ein Künstler für Künstler geblieben ist. Er inspirierte Marcel Duchamp zu einigen seiner bedeutendsten, einprägsamsten und besten Werke und Konzepte. George Gershwin (1898–1937) war einer seiner ersten Sammler, und Milton Avery (1885–1965) und Marsden Hartley (1877–1943) zwei seiner frühesten Bewunderer, denen später Barnett Newman (1905–1970), Mark Rothko (1903–1970), Louise Nevelson (1899–1988), Balthus (1908–2001), Louise Bourgeois (1911–2010), John Baldessari (1931–2020), Ed Ruscha (geb. 1937), Jeff Koons (geb. 1955), Peter Schuyff (geb. 1958), Merlin James (geb. 1960), Verne Dawson (geb. 1961), Ugo Rondinone (geb. 1963) und Caroline Bachmann (geb. 1964) folgten. 1963), Nicolas Party (geb. 1980) neben mir. 

In diesem Sinne bietet die Ausstellung Spüre die Seele? bietet einen umfassenden Überblick über die Gemälde des Eilshemius und stellt sie gleichzeitig Werken von Künstlern gegenüber, die ihn verehrten und bewunderten, um sichtbar zu machen, wie sein seelenvoller Geist weiterlebt und Künstler und ihre Arbeit bis heute beeinflusst.

Stefan Banz (geb. 1961): Künstler, Kurator und Autor. Er veröffentlichte Bücher und Artikel über Marcel Duchamp, Louis Michel Eilshemius, Jeff Wall, Jacques Derrida, Joseph Beuys, Jules Verne, Fischli|Weiss, Diego Velázquez, Édouard Manet, Muhammad Ali, Bruce Nauman und Frank Zappa. Seine Publikation „Eilshemius: Peer of Poet-Painters“ wurde 2016 mit dem Peter C. Rollins Book Award in New Mexico und dem Eric Hoffer Book Award in New Jersey ausgezeichnet. Als Künstler hatte er Einzelausstellungen u. a. im Kunstmuseum Luzern; im Migros Museum Zürich; im OK – Offenes Kulturhaus Oberösterreich, Linz; im MAMCO Genf; im Museum Pasquart Biel; im Institut Mathildenhöhe Darmstadt; im Museum Schloss Moyland Bedburg-Hau; in der Galerie Urs Meile Peking und Luzern; sowie in der Galerie Ars Futura Zürich. Als Kurator gestaltete er 2005 den Schweizer Pavillon der Biennale von Venedig, war Direktor der Kunsthalle Luzern und arbeitete als Kurator in der Galerie Hauser & Wirth. 2009 gründete er die Association Kunsthalle Marcel Duchamp (www.akmd.ch) und ist seither künstlerischer Leiter von KMD – Kunsthalle Marcel Duchamp | The Forestay Museum. des Kunstmuseums, „das kleinste Museum der Welt“.

Stefan Banz

(Übersetzt ins Dänische von Gitte Broeng)